Los Grammy

Foto: Joy Malone/Getty Images

lista

Celebrado el 26 y 27 de agosto en Brooklyn, el cartel diverso y que abarca todos los géneros de Afropunk 2023 destacó a algunos de los artistas más interesantes de la música negra. Desde la estrella principal Teyana Taylor hasta estrellas en ascenso como King Isis, vuelve a visitar ocho increíbles actos afropunk.

En una industria saturada, no es poca cosa que un festival de música se sienta continuamente fresco y subversivo, y mucho menos uno que abarque múltiples iteraciones anuales en todo el mundo. Pero Afropunk, el festival de música y arte que celebra la cultura negra alternativa, lo ha hecho constantemente desde su creación en 2005.

Su evento en Brooklyn es el buque insignia de facto del Afropunk, y la iteración de este año vio varios cambios importantes. Afropunk 2023 se trasladó del Commodore Barry Park de Fort Greene al Terminal Market de Greenpoint, un lugar más compacto ubicado en el paseo marítimo del East River que brindó a las actuaciones un impresionante telón de fondo. Celebrado el 26 y 27 de agosto, el festival fue un evento ideal para finalizar el verano.

El tema del festival fue "Circo del Soul" y estuvo poblado de zancudos, trapecistas y acróbatas que dieron al evento de dos días una sensación caprichosa y surrealista. (Ayudó que muchos miembros de la audiencia afropunk, consistentemente una de las multitudes mejor vestidas de los festivales de música, le dieron su propio toque al motivo del carnaval).

Pero un festival de música no puede considerarse un éxito sin actuaciones sólidas, y Afropunk logró un cartel diverso que abarca todos los géneros y destaca a algunos de los artistas más interesantes de la música negra. Desde la estrella principal Teyana Taylor hasta estrellas en ascenso como King Isis, estas son ocho actuaciones destacadas que GRAMMY.com vio en Afropunk Brooklyn 2023.

El vocalista, compositor y productor nacido en Cleveland, Durand Bernarr, es adorado en la industria, pero todavía está trabajando para igualar ese nivel de aclamación con el público informal. Pero el set Afropunk de Bernarr presentó un caso convincente para Bernarr como una futura estrella.

Los alumnos de "Next Big Thing" mostraron una versatilidad asombrosa, pasando sin problemas del funk descarado de los 90 en "Summons" a la balada apasionante con "Stuck". Bernarr también ofreció uno de los momentos más conmovedores del día cuando interpretó su colaboración con el fallecido compositor Daniel Jones, quien falleció trágicamente el mes pasado.

Tiene sentido que Tobe Nwigwe de Houston esté teniendo éxito como actor, porque su música tiene una inclinación verdaderamente cinematográfica. Apodado "A momint at Afropunk", su actuación en el festival fue perfecta, con el vocalista y su banda emergiendo del escenario vestidos con un impecable atuendo color menta. Con un ejército de cantantes de respaldo y un coro en la pantalla detrás de él, quizás el mejor uso del monitor de video en todo el fin de semana, Nwigwe interpretó canciones de su álbum moMINTs, rapeando ferozmente en canciones como "Lord Forgive Me" y "Catfish Blackened". con sémola."

El vocalista y su banda tienen mucha experiencia traduciendo su música grandilocuente a un entorno de actuación (Nwigwe incluso lanzó un LP en vivo en enero de 2022) y su actuación afropunk tuvo un ritmo fantástico, disminuyendo la velocidad con su tema básico del show en vivo "Hydration Reprise" antes de intensificar el ritmo. respaldo de energía.

El rapero nominado al GRAMMY trajo algunos invitados, incluido Olu de Earthgang, pero la más destacada fue la hija pequeña de Nwigwe, quien originalmente subió al escenario para ayudar a interpretar "Wildlings" (su canción favorita de su padre, según Nwigwe). No terminó cantando, pero fue uno de varios momentos memorables en un conjunto cautivador que ilustró por qué el poder estelar de Nwigwe trasciende los medios artísticos.

Una publicación compartida por The Garnette Report (@thegarnettereport)

Cerrando la programación del día 1 en el escenario más pequeño, la cantante y compositora neoyorquina Madison McFerrin tocó uno de los sets más encantadores de Afropunk, de esos en los que los miembros de la audiencia agregan pistas a sus listas de reproducción de Spotify antes de que McFerrin haya terminado de interpretarlas.

McFerrin interpretó varios cortes destacados de su álbum de 2023 I Hope You Can Forgive Me, incluidos los vulnerables "(Why Don't) Leave Me Now" y "Stay Away (From Me)", que McFerrin y su banda cambiaron astutamente a una bossa. surco de nova. La voz cristalina que hace que los proyectos de estudio de McFerrin sean tan cautivadores se trasladó al escenario afropunk, con abundantes melodías ligeras.

Entre pistas, las bromas de McFerrin lograron ser a la vez fluidas y efervescentes. Después de hacer una broma cursi acerca de que su compañero de banda Brooklyn vendría a actuar a Brooklyn, acentuó el cacharro imitando el sonido de la bocina del DJ. Al presentar "Hindsight", McFerrin explicó que la canción no es una balada romántica común y corriente, sino una encapsulación de sus sentimientos cuando Bernie Sanders no consiguió la nominación demócrata de 2020. "Si a ti también te rompió el corazón un hombre blanco de 80 años, esta canción es para ti", dijo.

Al principio de su carrera, las canciones de Vince Staples tenían una cualidad amenazadora e irregular que reflejaba sus vívidas historias de la vida de perro come perro en Long Beach, California. Staples se ha instalado en un nicho interesante en sus dos últimos LP, ralentizando los tempos y ofreciendo raps más melódicos sobre una percusión lánguida y sintetizadores de mal humor.

Su set Afropunk de 2023 tenía una suave contemplación que convirtió a Vince en la elección ideal para el espacio del atardecer. Staples subió al escenario en solitario, y si bien no es una gran personalidad convencional (es una de las razones por las que está construyendo una exitosa carrera paralela como comediante inexpresivo en "Abbott Elementary" y la nueva versión de White Men Can't Jump), su comportamiento relajado es cautivador. , particularmente yuxtapuesto con la viveza de sus letras.

El set de Staples mostró en gran medida Ramona Park Broke My Heart del año pasado, abriendo con "The Beach" sin batería, una muestra apropiada de sus habilidades técnicas y control de la respiración. Hizo la transición a algunas pistas más propulsoras como "Big Fish" y "Rose Street", con la ayuda de Juicy J.

La discreción siempre ha sido clave para el atractivo de Staples tanto en el estudio como en el escenario, por lo que la naturaleza minimalista de su set Afropunk se sintió consistente con el carácter, especialmente porque fue seguido por el maximalismo alucinante de Flying Lotus.

Una publicación compartida por The Garnette Report (@thegarnettereport)

Actuando en el más pequeño de los dos escenarios de Afropunk, King Isis de Oakland mostró su fluidez en el género durante un set cautivador que abarcó jazz de vanguardia, rock alternativo y pop de dormitorio. Canciones como "141827" recuerdan el trabajo de guitarra de Jonny Greenwood en los primeros proyectos de Radiohead, mientras que el abrasador "I'm Fine, Thx 4 Asking" es una versión emocionante del garage rock de los noventa.

Su voz encaja muy bien en el aclamado grupo de artistas independientes contemporáneos como Nilüfer Yanya y King Krule, quienes colocan voces de blues y cansadas del mundo encima de una instrumentación que enfatiza los acordes de guitarra descoloridos. (Isis incluso hizo una versión de "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana durante su presentación).

Una publicación compartida por Baby Tate (@imbabytate)

Si la industria de la música fuera una verdadera meritocracia, Baby Tate de Atlanta sería una superestrella que encabezaría las listas. Su actuación en Afropunk fue típicamente ambiciosa y fascinante por parte de la rapera y cantante subestimada. En su tiempo en el escenario, Tate abarcó géneros, rapeando sobre "1, 2 Step" de Ciara, mostrando el peso de su voz en el apasionante "What's Love" y adelantando un próximo disco en el que se sumerge en el sonido del club de Jersey.

Un momento particularmente poderoso llegó cuando Tate abordó la reacción violenta por su atuendo en Afropunk Atlanta en 2021. Tate habló con franqueza sobre cómo la situación la afectó cuando aparecieron en la pantalla publicaciones crueles en las redes sociales, así como mensajes de apoyo de estrellas como Rihanna. "La última vez que vine a Afropunk, hablaban un montón de mierda [y] me hicieron sentir inseguridades que ni siquiera sabía que tenía", dijo. Eso la llevó al destacado "Pedi" del año pasado, un tema alegre en el que Tate patina sobre un ritmo inspirado en el bajo de Miami.

Tate y su DJ, Sky Jetta, tuvieron una excelente relación durante todo el set. Incluso cuando el MC abandonó el escenario brevemente, Sky Jetta mantuvo la atención de la multitud, cantando Panic! "I Write Sins Not Tragedies" de At the Disco y "Misery Business" de Paramore, temas que no parecían fuera de lugar en la interpretación de salto de género de Tate. Cuando Tate volvió a tomar el micrófono, marcó un set destacado con los éxitos "Eenie Meenie" y "I Am".

Hubo cierta tensión palpable durante las bromas de Joey Badass, mientras criticaba a Afropunk por tardar tanto en contratarlo y criticaba al festival por las dificultades técnicas que retrasaron su actuación. "No fue la cosa más profesional en la que he sido parte, pero es la cosa más hermosa en la que he sido parte", dijo.

Esos momentos destacan porque el penúltimo set del festival tuvo una positividad generalizada. Después de abrir con los primeros discos de su carrera como "Righteous Minds" y "95 Til Infinity", Joey se sumergió en un segmento de temas más lentos y románticos como parte de su objetivo de "celebrar el amor negro de la mejor manera". Algunas de estas pistas, como la lánguida "Show Me" y la soñadora "Love is Only a Feeling", suenan planas en forma de estudio, pero funcionaron en vivo gracias a la profundidad del sonido y la entrega apasionada del rapero. La actuación resultó ser una plataforma adecuada para que Joey mostrara sus habilidades técnicas con un impresionante rap acapella para culminar "Make Me Feel" que obtuvo una fuerte reacción de la multitud.

Criado en Bed-Stuy, Joey parecía conmovido por la situación, refiriéndose a ella como una "reunión familiar" y "un momento de regreso a casa" en diferentes momentos del set. Ofreció un conmovedor tributo a compañeros fallecidos como Juice WRLD, Nipsey Hussle y Capital Steez de Pro Era antes de hacer su colaboración con XXXtentacion "Infinity (888)" y cerró el set con "Devastated", posiblemente el mayor éxito de su carrera.

La inclusión de Teyana Taylor se anunció menos de dos semanas antes de Afropunk, ya que la cabeza de cartel original Jazmine Sullivan canceló su presentación para seguir llorando la muerte de su madre. Pero Taylor, un intérprete increíblemente convincente cuya carrera se ha visto constantemente obstaculizada por problemas con el sello discográfico, presentó el set más cinematográfico y conceptual del festival para culminar el fin de semana.

Como extensión de su gira Last Rose Motel Tour, la actuación de Taylor incluyó imágenes con temas de hoteles, carritos de equipaje dorados de botones e incluso un breve toque de música de ascensor. Fiel a su apodo de "Rosa en Harlem", el set presentaba una asombrosa cantidad de flores, incluida una bailarina que emergía de un pastel de bodas hecho enteramente de rosas. El mejor momento narrativo del set llegó cuando Taylor, vestida con un traje y una gabardina amarilla, pareció asfixiar a un hombre en el escenario, en referencia a su video musical "Bare Wit Me". Fue interrogada por bailarines disfrazados de policías, todo dentro del flujo natural del set.

Taylor pareció luchar contra importantes dificultades técnicas y finalmente cambió de un micrófono con auriculares a uno de mano. Sin embargo, el problema de la calidad del sonido hizo poco para atenuar su poder estelar general. Taylor interpretó una variedad de canciones de KTSE y The Album, sonando particularmente agudas en "1800-One-Night" y "Hurry".

7 sets inolvidables de Outside Lands 2023: los invitados especiales de Foo Fighters, el regreso de Lana Del Rey y un DJ superhéroe Shaq

Foto: Kevin Mazur/Getty Images para We The Best Foundation

noticias

Antes de su próximo álbum, 'Til Next Time', GRAMMY U se reunió con DJ Khaled para hablar sobre el 50 aniversario del hip-hop y cómo los jóvenes creadores de música pueden seguir sus pasos.

El creador de éxitos de hip-hop DJ Khaled está haciendo lo que mejor sabe hacer: hacer música e inspirar a otros. Khaled ha estado en el juego desde los años 90, y pasó de girar vinilos en su garaje al escenario de los GRAMMY. Hoy en día, el productor y artista ganador del GRAMMY tiene multitud de funciones.

"Soy padre, soy productor, soy DJ, soy ejecutivo musical, soy un ejecutivo, soy un joven emprendedor", dijo Khaled a la representante nacional de los GRAMMY U, Carlie Anderson.

Khaled demostró que también es un modelo a seguir, tomándose el tiempo para hablar con GRAMMY U después en un evento el 16 de agosto en el Soho Beach House de Miami. Allí, Khaled estaba conversando con Carl Lamarre, subdirector de R&B y Hip-Hop de Billboard.

La conversación no fue exactamente planeada, pero Khaled se aseguró de aprovechar al máximo la oportunidad para hablar con la audiencia más joven de GRAMMY U, e incluso les dijo a quienes lo rodeaban que se callaran para poder prestar toda su atención a Anderson.

Khaled reflexionó sobre la creación de su proyecto debut de 2006 Listennn…the Album, así como sobre el 50 aniversario del hip-hop. Como muchos artistas y fanáticos, Khaled cree que el hip-hop es más que un simple género musical: es un estilo de vida.

"El hip-hop no sólo lo es todo para mí, es una fuerza de grandeza", le dice Khaled a Anderson. "El hip-hop cambió mi vida, me salvó la vida. Me encanta el hop-hop. Tengo que agradecerle al hip-hop por las bendiciones y la inspiración, por la forma en que el hip-hop me crió".

Khaled recordó cómo encontró el hip-hop por su cuenta y comenzó a sumergirse en el mundo detrás de la música. Ahora, como uno de los principales contribuyentes a la cultura, Khaled reflexiona periódicamente sobre cómo la cultura le convirtió en quien es.

Cuando se trata de ser una inspiración para los demás, Khaled se toma muy en serio su posición. Su consejo a los creadores de música jóvenes y emergentes fue simple: "Sólo sé tú mismo.

"El mundo es tuyo", continuó Khaled. "Ser tú es lo más hermoso del mundo."

Después de recibir cinco nominaciones en los Premios GRAMMY 2023 y actuar en el show junto a Jay-Z, Lil Wayne, John Legend y Rick Ross, Khaled no muestra signos de detenerse. A principios de agosto, anunció su decimocuarto álbum de estudio, Hasta la próxima vez. El nuevo proyecto será el primero bajo la nueva asociación con Def Jam (en febrero, el rapero dejó Sony Music para unirse a Universal Music Group). Con este acuerdo, Khaled también fue nombrado Consultor Creativo Global de UMG.

El anuncio de su álbum también llegó con un tráiler de cuatro minutos, en el que aparecen su esposa y sus dos hijos. Con momentos cómicos de Khaled en todas partes, el video aún se estabiliza con los sentimientos motivadores característicos por los que el productor es conocido.

"El éxito no es fácil", dijo Khaled en el tráiler. "Tienes que quererlo tanto que estás dispuesto a arriesgarlo todo, incluso si tienes que arriesgar tu propia vida".

No sorprende que Khaled tenga algunas funciones importantes planeadas para el álbum. El sencillo debut, "Supposed to Be Loved", ya destaca al colaborador frecuente Lil Baby, así como a Future y Lil Uzi Vert, quien trabaja con el músico por primera vez.

Como un verdadero maestro de las colaboraciones, Khaled le contó al GRAMMY U cómo sus socios a menudo también son su inspiración. Dr. Dre, Puff Daddy y Fat Joe ocupan un lugar destacado en su mente, así como Jay-Z, a quien Khaled atribuye haber "demostrado que todo es posible" en esta industria.

Khaled también expresó su cariño a sus seguidores por apoyarlo en todos sus diferentes esfuerzos.

"Mis fans son mi inspiración", dice Khaled. "Me mantienen activo y haciendo lo que amo hacer: hacer música y representar el hip-hop".

Con Til Next Time y sus otros esfuerzos, Khaled se esfuerza por seguir impulsando el hip-hop. El hito de este género es el primero de muchos que tiene en mente: "No sólo el hip-hop de los 50, es el hip hop para siempre".

11 subgéneros del hip-hop que debes conocer: desde Jersey Club hasta G-Funk y Drill

lista

Celebre el aniversario de oro del hip-hop viendo estos 10 podcasts imprescindibles. Cada serie cubre una variedad de temas relacionados con la cultura, desde sinceras conservaciones con maestros de ceremonias de élite hasta inmersiones profundas en la historia del rap con Chuck D.

Desde su aparición en la fiesta de regreso a clases de DJ Kool Herc en 1973, el hip-hop ha pasado de ser un género musical especializado a convertirse en un fenómeno cultural que influye en muchas industrias. Se ha convertido en la fuerza impulsora detrás de la moda, el arte, el cine y la publicidad, remodelando el panorama del entretenimiento mundial.

Desde "The Combat Jack Show" hasta "The Joe Budden Podcast", la popularidad del género ha dado origen a una variedad de podcasts de hip-hop que dominan el mundo del streaming en línea.

Estos poderosos podcasts y docenas de otros brindan una plataforma para entrevistas sinceras con artistas, debates culturales y análisis en profundidad del mundo del rap. Pero algunos van un poco más allá y profundizan en los aspectos prácticos y menos glamorosos de la cultura, como las finanzas, el espíritu empresarial, la educación, el activismo y el empoderamiento femenino.

Ya sea que esté interesado en la inspiración detrás de la canción de su rapero favorito o simplemente quiera aprender más sobre la historia del género, estos 10 podcasts de hip-hop lo tienen cubierto.

Si eres un fanático del hip-hop y buscas ideas o simplemente quieres reírte y escuchar un buen té de rap, Drink Champs es tu lugar.

Desde el controvertido episodio de Ye hasta la sincera discusión de Snoop sobre la compra de su antiguo sello, Death Row, el podcast es conocido por sus conversaciones francas y sin filtros con los artistas más populares del juego.

Mientras las bebidas para adultos fluyen libremente, los presentadores NORE (también conocidos como Noreaga) y DJ EFN se mezclan con la realeza del hip-hop, quienes comparten historias sobre sus álbumes exitosos y temas de distorsión y rompen los mitos que los han seguido a lo largo de sus carreras. Las libaciones fluidas ayudan a relajar a todos, preparando el escenario para momentos virales y controvertidos.

Cuando se trata de hip-hop, Manny Faces sabe lo que pasa. Es el fundador y director ejecutivo del Centro para la Defensa del Hip-Hop, que se enfoca en impulsar la comprensión pública de la música y la cultura hip-hop. El hip-hop se ha enfrentado a una buena cantidad de estereotipos negativos, pero solo representan una fracción del panorama total. Y Faces está tratando de resaltar el otro lado de este movimiento tan difamado al resaltar la influencia positiva del hip-hop en las comunidades de todo el país.

Con su podcast de larga duración, "¡El hip-hop puede salvar a Estados Unidos!" El periodista galardonado examina cómo se está utilizando el movimiento musical y cultural para influir positivamente en aspectos de la educación, la ciencia, la salud, el activismo, la política, los negocios y las artes en todo el país.

En conversaciones con autores, artistas, educadores, activistas y académicos, Faces profundiza en las innumerables formas en que se utiliza el hip-hop para generar cambios y transformaciones significativas en todas las industrias.

Lo que comenzó como un boletín informativo por suscripción se ha transformado desde entonces en una dinámica empresa de medios y podcasts que analiza los aspectos financieros del hip-hop. Con una dedicación a análisis e ideas en profundidad, el presentador y fundador de "Trapital", Dan Runcie, utiliza su experiencia en tecnología y finanzas para explorar el lado comercial del juego del rap, descubriendo sus estrategias financieras y su impacto.

Durante la ejecución del programa, Runcie entrevistó a ejecutivos de la música y examinó el ascenso de artistas como Burna Boy, la facturación en MoTown, el estado del streaming y los medios físicos, y el declive de los principales sellos discográficos.

Si alguna vez quisiste conocer la historia detrás de la infame canción de MC Lyte "10% Dis" o cómo Ja Rule encontró su nicho, Rap Stories es el podcast para ti.

Creado para celebrar el 50 aniversario del hip-hop, "Rap Stories" va detrás de escena con artistas que cambian la cultura, incluidos Goodie Mob, MC Lyte, Currensy, Too $hort y BIG KRIT, que ofrecen ideas íntimas, detalles de producción e historias de fondo. sobre sus obras más impactantes y culturalmente significativas.

No, tu mente no te está jugando una mala pasada. Los propios Scarface y Willie D de los Geto Boys son los presentadores de este fascinante podcast que se lanzó en 2021 en The Black Effect Podcast Network de Charlamagne tha God. En él, los pioneros del rap sureño reflexionan sobre su legado y su ascenso al estrellato, disipan rumores y ofrecen información detrás de escena sobre su paso por el grupo de hip-hop de Houston. Los anfitriones también comparten invitados que han impactado la cultura, incluido el fundador de Rap-A-Lot, J Prince, Lil Keke, Krayzie Bone, 2 Chainz, Freddie Gibbs, el ícono de la NBA Allen Iverson y más.

Pero esta no es sólo una charla larga sobre sus carreras o su música. El podcast también da la bienvenida a líderes de opinión del mundo de la política, la cultura pop y más allá, para mantener conversaciones que invitan a la reflexión sobre una variedad de temas, desde la violencia armada y la justicia social hasta la salud mental, las relaciones y la espiritualidad.

"El objetivo principal del podcast es informar e instruir", dijo Willie D a The Root en 2021. "Parecido a la música que hemos hecho a lo largo de nuestra carrera".

Desde mediados de la década de 2010 hasta principios de la década de 2010, los blogs de música desempeñaron un papel crucial en la configuración del panorama del hip-hop. Durante este tiempo, Internet proporcionó una plataforma para que artistas tanto establecidos como prometedores, como Drake y Kid Cudi, compartieran su música directamente con sus fans a través de estos sitios de blogs más pequeños donde los fans podían descargar su nueva música.

Presentado por los hermanos Eric y Jeff Rosenthal, este podcast examina la era influyente de los blogs MP3 en el hip-hop entre 2007 y 2012, cuando los artistas aprovecharon el poder de Internet para conectarse con una audiencia más amplia y lograr éxito comercial fuera de los canales tradicionales. La serie captura el impacto de estas publicaciones de aficionados y su influencia transformadora en la cultura.

Cuando no está lanzando éxitos certificados con JT, Yung Miami mantiene presionado su exitoso podcast, donde conversa con grandes bateadores de hip-hop y R&B como Summer Walker, Megan Thee Stallion, Trina, G Herbo y Latto. La vibrante presentadora de podcasts no deja piedra sin remover durante estas extensas conversaciones con sus pares y otras figuras de la industria, desde chismes y secretos detrás de escena hasta detalles íntimos sobre relaciones, carreras y salud mental.

Pero es posible que su etapa como anfitriona no hubiera llegado a buen término sin los instintos láser de Diddy. Después de ver la aparición de Caresha en un episodio del podcast de Justin Laboy y Justin Combs "Respectfully Justin", el magnate de la música quedó encantado con sus respuestas y se acercó a ella para proponerle presentar su propio programa en su red de podcasts Revolt.

El episodio de estreno del programa se lanzó en YouTube a fines de 2022, donde batió récords de audiencia con casi 2 millones de visitas dentro de las 24 horas posteriores a su lanzamiento.

Cuando Jazzie Belle quiso empoderar a las mujeres destacando sus voces y fomentando la autosuficiencia y la confianza.

"La premisa del programa es arrojar luz sobre la influencia, el impacto y el talento de las mujeres dentro de la cultura, especialmente para las mujeres a las que les va muy bien en una industria dominada por los hombres para contar su historia e inspirar a otras mujeres a inspirar a otras mujeres", dijo Belle a Vibe.

El podcast de larga duración ha recibido una impresionante lista de invitados, incluidos Da Brat, Roxanne Shanté, Rapsody, Latto y Gangsta Boo, así como la sensación multiplatino del R&B Faith Evans y la potencia de los medios Wendy Williams.

¿Quién mejor para explorar el nacimiento del hip-hop que uno de sus propios pioneros? El ícono del hip-hop Chuck D se ha asociado con Audible para una nueva serie de podcasts llamada "Can You Dig It?" Estrenada este mes, en celebración del 50 cumpleaños del hip-hop, la serie de cinco episodios se sumerge en los orígenes de la cultura en el Bronx a principios de la década de 1970.

Narrado por Chuck D, "¿Puedes cavarlo?" Combina escenas escritas con ideas de fotógrafos callejeros, maestros de ceremonias y ex Panteras Negras. El documental de audio explora las historias de quienes dieron forma a los primeros días del hip-hop, arrojando luz sobre sus contribuciones esenciales al impacto global del género.

La serie destacará la historia del asesinato de Cornell "Black Benjie" Benjamin, que condujo a una histórica reunión de paz en Hoe Avenue que unió a pandillas rivales en el sur del Bronx. Esta tregua creó una comunidad más segura y unida, allanando el camino para la fiesta de DJ Kool Herc el 13 de agosto de 1973 en 1520 Sedgwick Avenue, ampliamente considerada la cuna del hip-hop.

Questlove, entusiasta de la música y creador prolífico, quiere difundir la buena palabra sobre los artistas que lo entusiasman en este podcast semanal copresentado por Team Supreme: Phonte, Unpaid Bill, Suga Steve, Laiya St. Clair y Boss Bill.

Este paraíso para los amantes de la música presenta entrevistas con una variedad de artistas y leyendas de la música y una programación repleta de la élite del hip-hop, incluidos Q-Tip, Jermaine Dupri, Ice-T, DJ Drama, Pete Rock y DJ Quik.

6 documentales de hip-hop que debes ver: 'Hip-Hop x Siempre', 'My Mic Sounds Nice' y más

Foto: The Chosunilbo JNS/Imazins vía Getty Images

lista

Mientras el colectivo de K-pop NCT de 20 integrantes lanza su cuarto álbum de larga duración, 'Golden Age', sumérgete profundamente en el universo de NCT con las seis iteraciones del grupo.

Cuando NCT lanzó su álbum debut, NCT 2018 Empathy, un video documental que lo acompaña trazó lo que conecta todas sus piezas. "NCT comparte sueños", dice una voz en inglés, y otra añade en mandarín: "Los tonos se vuelven uno y se convierten en música".

Este alcance integral, donde la "apertura" y la "expansibilidad" son los principios fundamentales, comenzó a desarrollarse en enero de 2016. Luego, el fundador de SM Entertainment, Lee Soo-man, anunció el origen de un megaconjunto llamado Neo Culture Technology que tendría un alcance cada vez mayor. número creciente de miembros organizados en diferentes unidades con el objetivo de transformarse en una entidad global. En la primavera de ese año, la primera versión, NCT U, debutó con "The 7th Sense", estableciendo el lanzamiento de los subgrupos NCT 127, NCT Dream y WayV.

Un avance rápido hasta la actualidad, y este supergrupo se ha convertido en uno de los actos de K-pop más influyentes de la industria. Actualmente, hay 20 miembros activos altamente capacitados en una cantidad diversa de campos, y cada ramificación de NCT (ahora seis en total) se destaca con una identidad única. Todo el colectivo NCT también se ha unido para producciones de larga duración (Empathy de 2018, NCT 2020 Resonance de 2020, Universe de 2021 y la recién creada Edad de Oro), mostrando todo el alcance de su potencia.

Considerando todo esto, 2023 ha sido un año de transición. NCT Dream y NCT ​​127 concluyeron sus primeras giras mundiales desde que golpeó la pandemia del Coronavirus; WayV tuvo sus primeros negocios fuera de Asia; Se formó NCT DoJaeJung; y el líder Taeyong debutó como el primer solista oficial de NCT. Pero lo más notable es que SM Entertainment puso fin a la interminable expansión del grupo, siendo el próximo NCT Tokyo el último subgrupo que se unió al gigante.

Para celebrar el lanzamiento el 28 de agosto del cuarto álbum de estudio de NCT, Golden Age, GRAMMY.com analiza cada permutación existente dentro del sistema NCT.

Como primera subunidad de NCT, NCT U se considera el núcleo del intrincado motor que une el sistema del supergrupo. Su constitución es multifacética y maleable, y encarna la premisa de todo lo que es el mundo de Neo Culture Technology, un dominio donde las posibilidades son infinitas.

Esta extensión opera como un nexo donde la presencia y el número de integrantes varían dependiendo de las elecciones conceptuales de cada lanzamiento, abriendo la puerta a innumerables alianzas que hacen alarde de su agilidad artística. La "U" de su nombre significa "Unido", en referencia al vínculo entre la familia NCT.

A principios de abril de 2016, la formación inicial de NCT U (Taeyong, Ten, Doyoung, Jaehyun y Mark) lanzó su sencillo debut "The 7th Sense"; Regresos posteriores como "Baby Don't Stop" y "BOSS" ahora existen como algunas de las mejores canciones que el K-pop ha ofrecido en los últimos años. Para Golden Age, esta primera combinación de NCT U se reunió una vez más para la canción principal del disco, "Baggy Jeans".

Al tomar Seúl, Corea del Sur, como base de operaciones, NCT 127 (su nombre representa las coordenadas de longitud de esta ciudad capital) ha avanzado en el mundo del K-pop como una fuerza abrumadora. Para el contingente de nueve miembros (Taeyong, Taeil, Johnny, Yuta, Doyoung, Jaehyun, Jungwoo, Mark y Haechan) el maximalismo es una parte importante de su arte y su poder escénico es nada menos que emocionante.

Todo comienza, por supuesto, con un catálogo fuertemente arraigado en EDM y hip-hop, a veces mezclado con irresistibles transiciones de R&B que enfatizan la excentricidad cambiante de su paisaje sonoro. El sencillo debut de 2016, "Fire Truck", activó este estilo musical distintivo (y a menudo divisivo) que eventualmente se extendió hasta lograr el reconocimiento generalizado. Pero no se deje engañar: el grupo también sabe cómo aprovechar el lado delicioso de las cosas (piense en "Sun & Moon" de 2017 y "Highway to Heaven" de 2019).

Con el lanzamiento de su segundo proyecto de larga duración, NCT #127 Neo Zone – The 2nd Album, en 2020, NCT 127 consolidó su posición en los niveles superiores del K-pop; El álbum vendió poco más de un millón de copias, una novedad en cualquier división de NCT. Pero sus siguientes producciones, "Sticker" de 2021 y "2 Baddies" de 2022, demostraron ser aún más grandes, tanto comercial como sonoramente: cada una superó los 2 millones de ventas y la experimentación en auge continuó superando los límites.

Justo cuando crees que NCT 127 está en su cenit, siguen trayendo sorpresas al juego. Y probablemente lo harán nuevamente con su quinto álbum de larga duración, Fact Check, que está programado para el 6 de octubre.

Juvenil, cautivador y graciosamente irreverente, NCT Dream está compuesto por Mark, Renjun, Jeno, Haechan, Chenle, Jaemin y Jisung. Entraron en el panorama del K-pop patinando (literalmente) en 2016 con su sencillo debut "Chewing Gum", una viñeta alegre de su talento en ciernes.

Originalmente diseñado para ser tanto una entrada como un puerto no permanente para los reclutas más nuevos hasta que cumplan 19 años, SM Entertainment disolvió su sistema de graduación de NCT Dream en 2020, obteniendo así un estatus fijo. Luego, Mark Lee, el líder del grupo y el único miembro que se fue, regresó para la llegada de NCT 2020 Resonance, donde la canción "Déjà Vu" vio al septeto reunirse después de casi dos años. Fue un momento de igual felicidad para los fans y los miembros, mientras la inminente incertidumbre sobre el destino del grupo se desvanecía.

Y a medida que The Dreamies (como los llaman cariñosamente) maduraron, también lo hizo su música. El paisaje auditivo evolucionó desde un exuberante pop adolescente hasta una mezcla aventurera de hip-hop y R&B guiada por su destreza vocal, lo que dio como resultado una fórmula que ha dado sus frutos. El primer álbum de estudio de NCT Dream, Hot Sauce de 2021, les dio el título de "millones de vendedores", un hito replicado en proyectos posteriores "Hello Future", Glitch Mode, "Beatbox" y su último proyecto de larga duración, ISTJ, que Fue puesto en libertad el 17 de julio.

En el cosmos onírico de NCT, WayV (una abreviatura de "We Are Your Vision") es un subgrupo cuya identidad surge de una fusión de C-pop y K-pop. Sus componentes artísticos fusionan mandarín, coreano e inglés para navegar por cuentos líricos llenos de fuego y fantasía, todo mientras traspasa las fronteras del tiempo. "Finalmente vi la luz escondida detrás de la oscuridad", cantan en su sencillo de 2020 "Kick Back". "Después de decidir la verdad final / Desvelar nuevamente el secreto del tiempo".

Formada por Kun, Ten, Xiaojun, WinWin, Hendery y YangYang, esta iteración centrada en China debutó en enero de 2019 con "Regular", la canción principal de su primer álbum sencillo, "The Vision". Desde su concepción, WayV ha moldeado un nicho de música fascinante que desafía el género, y caras B como "Love Talk", "Electric Hearts" o "After Midnight" muestran dicha idiosincrasia. Dentro de su cartel, las subunidades WayV-TEN&YANGYANG y WayV-KUN&XIAOJUN también inyectan inventiva a su repertorio, demostrando que son auténticos camaleones.

A finales de 2022, el sexteto presentó Phantom, su cuarto EP que marcó la conclusión de un letargo de dos años y un nuevo comienzo en el que se mantienen más fuertes que antes.

Si bien los riesgos sonoros son ingredientes clave en todas las ramas de NCT (principalmente en sus canciones principales), este trío, formado por los vocalistas Doyoung, Jaehyun y Jungwoo, encontró su lugar en territorios más conservadores. La dirección creativa es néctara y seductora, incursionando en motivos de anhelo y romance.

El desarrollo de NCT DoJaeJung se adelantó en octubre de 2022 durante la gira de conciertos de NCT 127, Neo City – The Link, pero el inicio oficial ocurrió en abril pasado con su primer EP, Perfume. El mini álbum de seis pistas arroja luz sobre las voces de los tres miembros que deslumbran con cortes clásicos de R&B, con el sencillo principal homónimo como clímax. Esto es una mera muestra de lo que estos chicos pueden ofrecer y un prólogo para lanzamientos más atractivos por venir.

Con el concepto de expansión ilimitada de NCT llegando a su fase final, SM Entertainment también anunció la formación de un último subgrupo, tentativamente llamado NCT Tokyo.

Esta ramificación ya incluye a Sion y Yushi, miembros del equipo pre-debut conocido como SM Rookies, quienes fueron presentados al público el pasado mes de junio y se completarán con los aspirantes a ídolos seleccionados a través del reality show “NCT Universe: LASTART”.

Al cierre de esta edición, la competencia está en curso y presenta a aprendices de Japón y Corea del Sur desafiando misiones para mostrar su gama de habilidades. A lo largo de los episodios, están siendo asesorados por diferentes artistas de SM, y al final de cada ronda, las evaluaciones son cortesía de las leyendas del K-pop BoA, Eunhyuk de Super Junior y el entrenador vocal Jang Jinyoung. La fecha de debut de NCT Tokyo aún no se ha determinado, pero seguramente servirá como una adición dinámica al universo NCT.

Desglosando cada acto en solitario de BTS: sencillos, álbumes debut y lo que sigue para el Septeto

Fotos: Cortesía del artista; Cortesía de Simone Torres; Cortesía de Róndine Alcalá; Víctor Torres

noticias

Para celebrar los logros de mujeres profesionales que se destacan en los campos de las artes y el entretenimiento latino, Leading Ladies Of Entertainment se llevará a cabo durante la Semana del Latin GRAMMY 2023 en Sevilla (Andalucía), España, el lunes 13 de noviembre.

Hace siete años, la Academia Latina de la Grabación desarrolló una iniciativa para honrar y reconocer a mujeres profesionales y con conciencia social dentro de los campos de las artes y el entretenimiento latino. Hoy, la organización ha anunciado a sus homenajeadas de 2023 Leading Ladies Of Entertainment, cada una de las cuales ha hecho contribuciones significativas e inspirado a la próxima generación de mujeres líderes.

Los homenajeados de este año son:

Róndine Alcalá:Fundador de RondenePR, una firma de relaciones públicas de música y entretenimiento.

Mi Laferte:Cantante y compositora, ganadora múltiple del Latin GRAMMY y nominada al GRAMMY

Simón Torres:Ingeniero y productor vocal nominado al GRAMMY

Ana Villacorta López:Vicepresidente senior de marketing y promoción en Sony Music Entertainment México

El lunes 13 de noviembre se llevará a cabo una ceremonia privada y un almuerzo para celebrar los esfuerzos de las protagonistas principales en Sevilla (Andalucía), España, como parte de los eventos principales de la Semana del Latin GRAMMY 2023.

"Este grupo diverso de mujeres destacadas y exitosas ha hecho grandes contribuciones a la música latina", dijo Manuel Abud, director ejecutivo de la Academia Latina de la Grabación. "Estamos orgullosos de celebrarlos con esta y otras iniciativas que buscan promover la paridad de género y honrar el importante papel que desempeñan las mujeres en la industria del entretenimiento".

El Corte Inglés, Viñas Familia Gil y Notable by Spotify for Artists se suman a la celebración como patrocinadores oficiales; y la Consejería de Turismo, Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, con cofinanciación de Fondos Europeos, se suma como socio institucional.

Por tercer año, Notable realizará otra donación especial de becas al Fondo de Becas de la Fundación Cultural Latin GRAMMY en apoyo a los futuros creadores de música latina.

Forjar oportunidades para las generaciones futuras es un pilar fundamental del programa, y ​​Leading Ladies of Entertainment se ha asociado con She Is The Music, una organización mundial sin fines de lucro que trabaja para aumentar el número de mujeres en la música, y la Fundación Cultural Latin GRAMMY en un programa colaborativo de tutoría. . Las homenajeadas anteriores de Leading Ladies serán invitadas a ser mentoras de una aprendiz de She Is The Music. La asociación se basará en el programa de tutoría Connect TogetHER de Leading Ladies of Entertainment del año pasado. Las solicitudes para el programa de tutoría Connect TogetHER de Leading Ladies of Entertainment ya están abiertas hasta el viernes 29 de septiembre de 2023 a las 11:59 p. m. ET. Solicite el programa de tutoría ahora y Lea las pautas. Si tiene alguna pregunta adicional, envíe un correo electrónico a [email protected].

Conozca más sobre las homenajeadas por la Academia Latina de la Grabación 2023 como Damas Destacadas del Entretenimiento a continuación:

Róndine Alcalá:

Rondine Alcalá, fundadora y propietaria de Rondene PR, comenzó su carrera en relaciones públicas mientras trabajaba para el artista internacional Luis Miguel en 1999 en su gira mundial "Loving Is A Pleasure". Poco después trabajó como publicista senior para una reconocida firma de relaciones públicas en Los Ángeles, donde desarrolló y administró campañas para superestrellas como Alejandro Sanz, Shakira, Maná, Robi Draco Rosa, Enrique Iglesias, Ricardo Arjona, Sin Bandera y Alejandro Fernández. Julieta Venegas. Originaria de Venezuela, Alcalá ha contribuido a las carreras de artistas globales como Ricky Martin, Juan Luis Guerra, Laura Pausini, Los Temerarios, Luis Fonsi, Soraya, Natalia Lafourcade, Pablo Alborán, Jesse & Joy y Camilo clientes, en su propia firma. .Mi Laferte:

Dentro de Norma Monserrat Bustamante Laferte también vive la cantautora y artista visual Mon Laferte. Comenzó su carrera de ella interpretando canciones populares en las calles de Viña del Mar, en la costa central de Chile, durante su adolescencia. Este crecimiento continuó en México, país que la recibió con los brazos abiertos y donde pudo lanzar de forma independiente sus dos primeros álbumes, Desechable y Tornasol. Pasarían algunos años antes de la llegada del aclamado Mon Laferte Vol.1, álbum con el que conquistó no sólo a un público cada vez más fiel, cariñoso y numeroso, sino también varias nominaciones a los Latin GRAMMY. Continuaron apareciendo nuevas canciones a lo largo de los años, hasta el lanzamiento en 2021 de Carmen de 1940, nominado al GRAMMY, su séptimo álbum, así como su predecesor Seis. Mon Laferte es una artista con una visión que va más allá de géneros y formas de hacer música. Esta experimentación, la superación del miedo al ensayo y error, la perseverancia y, por supuesto, su talento de ella, la han convertido en una de las artistas femeninas latinoamericanas más queridas e influyentes del mundo.Simón Torres:

La ingeniera y productora vocal nominada al GRAMMY y Diamond Award, Simone Torres, ha trabajado en discos para artistas como Cardi B, Camila Cabello, Becky G y Anitta. Algunos logros notables incluyen la producción vocal de "Motivation" de Normani y la ingeniería de "I Like It" y "Be Careful" de Cardi B. Recientemente trabajó con Becky G en varios discos, incluido su último sencillo "La Nena". Ella cree que su papel de ella es ayudar a cerrar la brecha entre los aspectos técnicos y creativos de hacer música. Torres, graduada de Berklee College of Music, es conocida por su hábil toque en lo que respecta a la producción vocal. Más allá del estudio, trabaja con organizaciones para crear espacios seguros que fomenten a las mujeres jóvenes y a las personas de género expansivo que buscan carreras musicales.Ana Villacorta López:

Ana Villacorta López se incorporó a la industria del entretenimiento musical en 1981. Tras un breve paso por RCA, trabajó durante más de una década en EMI, principalmente como Directora de Desarrollo Internacional en España. En 1993 asumió el cargo de Directora Regional de Marketing en EMI y se mudó a México. Cinco años más tarde se incorporó a BMG como Directora de Marketing de Ariola. Luego de la fusión con Sony, asumió como Directora de Marketing y en 2015 regresó a México como Vicepresidenta Senior. Ha acompañado a muchos artistas en sus carreras, entre ellos Rocío Durcal, Julio Iglesias, Héroes del Silencio, Thalía, Fito Páez, Tony Bennett, Maná, One Direction, Vicente Fernández, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Reik, Carlos Rivera y Camila.Acerca de Ella es la música: She Is The Music (SITM) es una organización global sin fines de lucro que trabaja para aumentar el número de mujeres en la música y transformar el panorama de género de la industria. Operando como una red unificadora para el negocio de la música y más allá, SITM proporciona recursos y apoyo para iniciativas centradas en las mujeres, tanto a través de sus propios programas como de esfuerzos externos en todo el mundo. SITM, la primera colaboración de su tipo, cuenta con representación de toda la industria: creadores, editores, sellos discográficos, agencias de talentos, empresas de gestión, grupos industriales, grupos de expertos, empresas de medios, servicios de streaming y más. Entertainment Industry Foundation actúa como socio. Para obtener más información, visite sheisthemusic.org.

La Academia Latina de la Grabación anuncia los galardonados con el Premio Especial al Mérito 2023: Alex Coin, Arthur Sandoval, Soda Stereo, Simone y más